Pour en finir avec le travail des gammes dans l’improvisation musicale (2)

Bonjour chez vous…

L’exercice que je vous propose de pratiquer est un classique.
Il est simple d’un point de vue rythmique : 1 noire suivie de 14 croches. Ce motif va se renouveler tout au long de l’exercice.

La longueur du motif ou « pattern » est bien adaptée pour :

–      Un travail sur la colonne d’air et la respiration,

–      Un travail sur l’endurance physique,

–      Un travail sur le son (il faudra essayer d’avoir le même timbre sur toute l’étendue de l’instrument),

–      Un travail rythmique de précision ; notre motif occupe les 16 croches contenues dans deux mesures (la noire permettant la respiration),

 

Plus globalement cet exercice permet de parcourir physiquement les sept modes (ou degrés) issus des douze gammes majeures et de mémoriser efficacement les gammes.

 

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Quelques conseils :

Pratiquez cet exercice avec le métronome exclusivement en notant chaque jour votre temps, soyez rigoureux … !!!
A l’image d’un sportif notant scrupuleusement son temps, il s’agit aussi d’une pratique musculaire (bouger les doigts sur l’instrument et contrôler de mieux en mieux la colonne d’air). N’allez pas trop vite, ne grillez pas les étapes, soyez patient …
Si au cours d’une séance de travail, vous parvenez à jouer une gamme X à 70 à la croche sans erreur, notez ce tempo sur un petit cahier pour pouvoir reprendre le lendemain la même gamme à 80 par exemple et vérifiez si vous êtes aussi à l’aise.
Chaque note doit être entendue intérieurement avant d’être jouée (ou soufflée), cela va développer votre capacité à contrôler et anticiper.

Pour toute nouvelle gamme dont la connaissance est approximative, pratiquez en boucle pendant quelques minutes l’exercice suivant qui vous permettra de travailler la mémoire digitale (mémoire des doigts). Ceci est un bon début pour les gammes réputées difficiles comme si, fa# ou lab majeur par exemple.

Téléchargez le document 1 (a) au format pdf.

 

Prenez soin d’explorer toutes les tonalités dans le cycle des quintes car le souci est là. Une tonalité ça va … Cest quand il y en a plusieurs qu’il y a des problèmes…

En France, un ministre de la République a été condamné pour injure raciale en ayant tenu de tels propos … il y aurait une sombre d’histoire d’auvergnats la dessous … Et il a fait bien pire depuis.

En toute chose la diversité a du bon. Cela est particulièrement vrai dans la musique. Ne rejetez pas les tonalités difficiles, elles sont justes inconnues physiquement sur l’instrument mais votre oreille les entend parfaitement, il faut juste y passer un peu de temps au début pour en apprivoiser le chemin sur votre instrument.

L’égalisation des gammes doit être une véritable priorité dans votre pratique quotidienne des gammes. Cet exercice vous aidera efficacement dans cet objectif.

 

Pourquoi le cycle des quintes ?

Si vous commencez l’exercice tel qu’il est écrit, c’est-à-dire en do (tonalité facile pour la mémorisation et pour l’explication). Si vous passez à la tonalité de do # ensuite, vous passerez de « zéro altération » à sept altérations (en do #). Ceci risque de mettre votre capacité de mémorisation à rude épreuve et amener au découragement.
Si par contre, vous passez à la tonalité située à une quinte d’écart, les altérations apparaîtront progressivement et vous aurez beaucoup plus de facilités à les mémoriser.

Par exemple après avoir terminé la tonalité de do, si on passe à la tonalité de fa (située une quinte en dessous de do), nous avons un bémol qui apparaît. Ce chemin est assez proche de la tonalité précédente. Ensuite si on passe à la tonalité de sib (une quinte en dessous de fa), un nouveau bémol apparaît par rapport à la tonalité précédente … Et ainsi de suite. Dans le cycle des quintes ascendantes, ce sont les dièses qui apparaissent progressivement de la même manière.
Ces cycles sont importants, facilement mémorisables et identifiables car dans la musique contemporaine, il est très fréquent que des accords progressent suivant un cycle de quintes. J’aurai l’occasion de reparler de ce phénomène que l’on trouve dans « quasiment » tous les standards de jazz. J’espère que ces explications théoriques sont assez claires pour vous, mais encore une fois, la seule manière de comprendre ces « astuces » est de pratiquer

Le métronome est indispensable. Il permet de ressentir une pulsation et un débit intérieur. Il vous fait ressentir la croche, la figure rythmique la plus importante après la noire.

Vous pouvez commencer sans articulation en vous concentrant sur chaque degré, puis avec le temps, commencez à articuler, en plaçant des coups de langue dans le cas d’un instrument à vent. Mettez le métronome sur les temps un et trois ou sur les temps deux et quatre, pratiquez sur des claves, des play-back de type Aebersold ou avec un logiciel dédié style Band in a Box.

 

Pour se familiariser avec une nouvelle gamme, pratiquez le pattern sur deux mesures autant de fois que nécessaire. C’est l’exercice n°1 (a) qui permet d’apprendre « le chemin » de façon mécanique en restant sur le premier degré (appelé mode Ionien).

L’exercice n°1 est à mémoriser. Évitez au maximum d’écrire quoi que ce soit au niveau de la pratique des gammes. Faites jouer au maximum votre mémoire auditive, essayez de faire des liens, des associations entre les modes. Dans le cadre de l’improvisation musicale, il vaut mieux se concentrer sur un ou deux exercices à transposer plutôt que de lire dix exercices. Nous en avons déjà parlé, le travail n’est pas du tout le même.

C’est ce que Michel Golberg appelle l’approche globale : travailler en même temps l’harmonie, la technique, le rythme et l’improvisation musicale.

 

Dans l’exercice n°1, vous changez de degré toutes les deux mesures, ce changement intervient sur une noire, ce qui vous laisse un peu de « répit » pour « visualiser » le mode à venir et inspirer. Il n’est pas indispensable de connaître les noms des modes, vous verrez que ce sont souvent les mêmes qui reviennent dans les morceaux. Vous pouvez penser en degré, si cela vous semble plus facile … (1er de do, 2ème degré de do, 3ième degré de do etc…).

Partez de la tonique (ou fondamentale), progressez jusqu’à la dernière note possible sur votre instrument, redescendez jusqu’à la dernière notre possible sur votre instrument, puis remontez jusqu’à la tonique pour terminer.Ceci est important pour aller explorer les doigtés (et le son) dans l’extrême aigu et l’extrême grave de votre instrument.

 

Souvenez vous que cet exercice a pour objectif de comprendre le fonctionnement de votre instrument, égaliser la connaissance des douze tonalités majeures et (à plus long terme) progresser dans votre discours musical improvisé.

 

Combien de temps faut-il consacrer à cet exercice ? (Bonne question !) Comment pouvez-vous attendre de moi que je sache le temps qu’il vous faut ? (Autre bonne question !) En fait, je pense que vous devez pratiquer cet exercice aussi longtemps que vous en ressentirez le besoin. (J’ai été d’un grand secours n’est-ce pas ?). Quand vous pensez en être arrivé à votre point de saturation, arrêtez-vous un moment. Faites autre chose. Vous pouvez toujours revenir dessus. A ce moment là, vous vous rendrez mieux compte de certaines choses qui vous avaient échappé la première fois. C’est souvent le cas en musique pour un tas de choses. Probablement toutes…

 

Toutefois mon expérience personnelle me permet d’affirmer qu’à un tempo de 70, il faut une minute 15, pour monter une gamme sur tous ses degrés ascendants et descendants, c’est l’exercice n°1, (c’est précis, mais soyez aussi méticuleux que ça au début pour installer chez vous une espèce de rituel dans votre pratique instrumentale).

Une minute 15, fois douze tonalités, cela nous donne un total de 15 minutes pour pratiquer les gammes majeures dans toutes les tonalités. Ce temps est tout à fait raisonnable dans une séance de travail d’une heure par exemple…

N’y passez pas plus de quinze minutes par séance de travail, le piège serait de ne faire que ça… Ce n’est qu’un exercice parmi des millions possibles. Explorez un maximum de tonalités dans votre temps imparti. Fixez vous des limites et des objectifs. Connaître vos gammes ne vous fera pas mieux jouer (ce serait trop simple), ce n’est qu’un aspect du travail dans l’improvisation musicale.

 

Si vous prenez le temps de noter régulièrement dans un petit carnet des éléments comme :

–      le nom des gammes pratiquées tel ou tel jour,

–      le temps passé sur chaque gamme,

–      le tempo confortable qui vous permet de pratiquer sans aucune erreur et avec un son homogène sur toute l’étendue de votre instrument.

Avec ces trois éléments vous vous sentirez bien moins démuni lorsque vous débuterez une séance de travail.

 

Inutile de précisez qu’il faut pratiquer le plus régulièrement possible, mais surtout pas dans la précipitation, évitez de bâcler l’exercice pour vous en débarrasser. A la limite il vaut mieux passer 15 mn sur une seule tonalité plutôt que de vouloir en faire plus si on n’est pas à l’aise avec la première. Prenez le temps et le soin d’entendre comment sonne chaque note. Prenez le temps de mettre (intérieurement) un nom sur chaque note.
Vous aurez compris je pense le caractère régulier, routinier et méticuleux de la pratique. C’est au fil des jours, des semaines, des mois … des années, que les effets seront visibles dans votre jeu.

 

L’étape suivante sera d’appliquer cet exercice à la gamme mineure mélodique.
Comme la gamme majeure, il s’agit d’une gamme heptatonique qui possède sept modes. La seule différence entre les deux est que la gamme mineure mélodique possède une tierce mineure. En do, on note : do-ré-mib-fa-sol-la-si. Toutefois, l’harmonie mineure mélodique plus sombre et plus exotique sonne très différemment de l’harmonie de la gamme majeure et possède plus de possibilités au niveau des intervalles comme au niveau mélodique. Elle est très employée, peut-être plus que la gamme majeure …

Si vous voulez poursuivre dans cette voie, vous pouvez appliquer cet exercice à la gamme mineure harmonique.
Comme la gamme majeure et la gamme mineure mélodique, il s’agit d’une gamme heptatonique qui possède sept modes. La seule différence avec la gamme mineure mélodique, c’est que la gamme mineure harmonique possède une sixte bémol (la sixième note est bémolisée). En do, on note : do-ré-mib-fa-sol-lab-si. Elle est beaucoup moins employée que la gamme mineure mélodique néanmoins Mark Levine nous dit que « c’est une très belle série de notes, qui conjugue l’Europe de l’Est avec la musique du Moyen Orient ». Si vous aimez cette sonorité, je vous conseille d’y consacrer un peu de temps …

Pour en finir avec la « liste » des gammes importantes utilisées dans le cadre de l’improvisation musicale, vous pouvez appliquer l’exercice n°1  :

–      Aux trois gammes diminuées,

–     Aux deux gammes augmentées (appelées aussi gammes par ton ou gamme unitonique),

–      A la gamme chromatique.

 

Ces gammes se jouent sur 99 % des accords que l’on rencontre dans la musique occidentale. Cela nous rassure sur l’étendue de la tâche et nous donne une vision plus claire des gammes utilisées dans l’improvisation musicale.

 

Trouvez votre propre cheminement, faites votre propre méthode, car tout dépend de vous. Cet exercice n’est qu’une suggestion pour démarrer, mais vous vous imaginez bien qu’il en existe des millions tout aussi intéressants.
Je tiens à préciser que vous pouvez trouver cet exercice dans des ouvrages « jazz », mais aussi dans des ouvrages « classiques ». Pour autant, ne croyez pas qu’il s’agisse d’un exercice « jazz » ou « classique ». Je le pratique quotidiennement, (et je le fais pratiquer à mes étudiants saxophonistes), car en plus du fait de faciliter la mémoire des modes, il oblige à jouer longtemps sur toute l’étendue de l’instrument, ce qui est bon pour la colonne d’air et par voie de conséquence le son.
Au bout d’un certain temps, par lassitude et/ou par curiosité, on est assez tenté de déformer la tâche originelle en inventant ses propres exercices avec plus de facilité et de clairvoyance.

 

Dans le domaine de l’improvisation, ne comptez que sur vous-même pour ce qui concerne votre évolution musicale. Cela ne veut pas dire qu’il est impossible ou interdit d’apprendre des autres. En musique, c’est même indispensable. Mais, je n’insisterai jamais assez sur l’importance de la confiance en soi et de la motivation personnelle.

 

En toute honnêteté, je dois admettre que j’ai le sentiment d’avoir juste commencé à égratigné la surface des choses par rapport à ce que je vous raconte dans mes articles (et ceci après avoir joué et enseigné pendant de nombreuses années). Donc ne croyez surtout pas que je connaisse tout cela sur le bout des doigts et que vous devez en apprendre autant que moi. (Ne croyez rien !). Agissez pour vous-même, prenez ce dont vous avez besoin, ce qui peut vous servir. Quand vous en avez assez, laissez tomber pendant un moment. Et revenez-y quand vous êtes prêt(e).

En eux-mêmes, ces articles n’ont que peu de valeur, ce n’est que du bla-bla noyé dans la nébuleuse du web. Mais s’ils sont associés à un être humain qui peut comprendre, travailler, pratiquer et évoluer, ils peuvent être très utiles.

Je suis en train de vous dire que c’est vous qui avez de la valeur, pas les articles et encore moins les exercices. Je prends le temps d’alimenter ce blog, prenez le temps de vous en nourrir. Ainsi on sera content tous les deux …

Si vous êtes arrivés à lire ces articles jusqu’au bout (ce qui constitue déjà une véritable performance), je vous propose à présent quelques exemples …

 

Enjoy & Practice…

 

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  1. David MATOU

    Bonjour Rachid,
    Cela fait 2 jours que je suis entrain de tourner sur votre blog entre 2 interventions au travail ou à la maison avant ma petite pratique quotidienne.

    Je ne suis pas un blogeur qui prends le temps de commenter tout ce qu’il vois sur le net mais la je dois vous remercier de prendre le temps de développer un aussi beau blog.
    Je suis bassiste et je cherchais une  »méthode » pour me familiariser avec l’improvisation après avoir fait de l’interprétation pendant plusieurs année.
    Je suis tombé sur le site qui me parle comme s’il avais tout compris des difficultés que je pouvais rencontrer ou des questions que je pouvais me poser.

    Merci encore Rachid.
    @ bientot
    David

  2. jeanluc974

    Merci Rachid pour ce travail remarquable de clarté. Le blog est riche en information. Je cherchais en vain des pistes de travail sur les gammes, les voilà!
    A quand des standards de jazz analysés avec des gammes à travailler spécifiquement?
    Je suivrai votre blog avec intérêt et le conseillerai à ceux qui désespèrent de parvenir à improviser.
    Quelques références bibliographiques à me conseiller pour l’analyse de thèmes?

  3. Merci Jean Luc pour votre commentaire chaleureux et encourageant.
    Je mettrai en ligne cette semaine des applications pratiques et progressives sur le standard de jazz « Joy Spring ».
    Merci de partager ce blog avec vos relations pour démystifier un peu « l’art » de l’improvisation musicale.
    Pour l’analyse de thèmes, il existe de nombreux ouvrages dans le commerce, mais ils sont souvent compliqués et/ou réservés aux initiés. Je vous recommande plutôt les ouvrages de Jerry Bergonzi, Mark Levine, Eric Barret ou Michel Golberg … plus généralistes, mais qui orientent, suggèrent pour parvenir à sa propre analyse.

  4. catherine

    Bonjour,
    merci beaucoup, je vous lis et …. je vous comprends!!!
    Enfin un musico qui cause normal!
    merci encore, je ne vous lache plus!
    Catherine, saxophoniste en herbe, petite herbe d’ailleurs, mais qui ne demande qu’à apprendre.

  5. Chris Dev

    Bonjour Rachid,

    Votre blog est passionnant et tellement enrichissant.

    Il est maintenant dans mes favoris principaux 🙂

    Je souhaiterais savoir ce que vous entendez par « L’égalisation des gammes »?
    Est-ce le fait de savoir les jouer toutes à un niveau de pratique équivalent?
    Ou le fait que le timbre soit juste et égal pour chaque note de chaque gamme?

    Merci d’avance pour votre réponse et très bonne continuation de votre magnifique blog. Quel boulot! 🙂

    Cordialement

    Chris

  6. Bonsoir Chris et merci pour l’intérêt que vous portez à mon blog et ses longs articles.
    Par égalisation des gammes, j’entends savoir les jouer toutes dans les douze tonalités. L’objectif étant d’être aussi à l’aise en do majeur qu’en fa# ou en si majeur.
    C’est juste le chemin des doigts qui est différent. Il faut connaître tous les chemins du majeur car la plupart des modes utilisés en jazz ne sont que des dérivés avec seulement quelques notes qui changent.

    J’espère avoir répondu au mieux à votre question et surtout n’hésitez pas si vous en avez d’autres.

  7. Bourdier

    Merci Rachid
    I m getting started

    un(faux) debutant (65 ans)

    Gilles

  8. jcleb70

    merci pour votre article
    on parle en Jazz des degrès 2-5-1 pour la suite harmonique la plus standard, voire 6-2-5-1, en existe -t-il d’autres ?
    en classique à priori c’est plutôt 1-4-5 d’après ce que j’ai compris.
    J’aimerais apprendre à faire varier ces modulations mais c’est de loin l’exercice le plus dificile, mes doigts comme mon cerveau se perdent aisément, en recherche d’exercices simples pour ce travail spécifique d’harmonies…

  9. En jazz, les degrés 2-5-1 et 6-2-5-1 sont effectivement les progressions harmoniques « types » qui servent de base à des lignes mélodiques plus ou moins complexes. On peut y ajouter la suite 1-4 pour le blues.
    Il ne s’agit pas vraiment de modulation puisque dans une séquence de 2-5-1 en do par exemple, on peut se contenter d’utiliser uniquement la gamme de do pour toute la séquence.
    Toutefois l’exercice reste périlleux car il reste monotone à la longue.
    Toute la difficulté consiste à être capable de jouer avec des notes de tension (donc extérieures à la gamme de do), pour « résoudre » le plus judicieusement possible sur l’accord majeur (là on peut parler de modulation).
    Dans mes prochains articles, j’aborderai ce sujet délicat mais passionnant avec des démos et des exemples.
    Mais en attendant, comme exercice simple, je vous conseille de traiter ces séquences avec des triades exclusivement, pour habituer l’oreille à la cadence et la couleur de chaque accord, et aussi mémoriser le nom des accords.

    Enjoy & Practice…

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